Siempre que he tenido ocasión y un micrófono abierto delante de mis prominentes narices lo he dicho. Esto no significa que me haya dedicado a dar la tabarra por ahí con la misma opinión, pues la expresión “micrófono abierto” sólo conoce una nacionalidad, la de Radio Rock ‘n’ Roll. Me atrevería a afirmar que lo hice por primera vez en el programa número uno de la saga en cuestión, y de aquéllo ya han pasado algo más de dos años. Me refiero a que, bajo mi punto de vista y la de alguno o alguna más, el Rock murió en los 90. Lo que nació en la década de los 50 y vivió su época de esplendor entre los 60 y los 70, comenzó a cavar su propia tumba en los años 80 para ocuparla poco después. Sin embargo, y teniendo en cuenta qué banda protagoniza esta entrada, ahora habría que matizar que no todo fueron sombras. Y es que la década de los 90 también tuvo sus luces, muchas menos, de acuerdo, pero en la memoria colectiva aún sobreviven. El mayor fogonazo o resplandor de la época tuvo su origen en una tierra que tiempo atrás los había emitido continuamente.

Metallica revolucionó  un género que agonizaba sin remedio en un mar de tendencias y corrientes que arrastraban de manera salvaje a cuanto se interponía en su camino. Ante este panorama, no es de extrañar que los puntos en común brillaran por su ausencia hasta que aparecieron ellos. Modificaron los acordes, recuperaron las líneas melódicas y devolvieron el lustre perdido a la técnica instrumental. Se ha citado al Rock de manera global, pero de concretar lo haríamos en el Heavy Metal. Es más, dichos cambios convirtieron a la banda en una de las fundadoras de otra subcategoría, el Trash Metal, y en un modelo a seguir por los grupos surgidos  en las postrimerías del siglo XX… aunque Hetfield prefiriese en cierta ocasión en 2003 que se les considerase “Rock a secas”.

Entradas, salidas y un primer álbum

James Hetfield (vocalista y guitarra) y Lars Ulrich (batería) fundaron Metallica en los suburbios de Los Angeles, California, en 1981 con la influencia compartida de los británicos Motörhead —quienes por aquel entonces llevaban seis años en activo y cuatro álbumes publicados— y la individual por parte del primero de Phil Lynott, cantante y bajista de Thin Lizzy. Su primer compañero fue el guitarrista Lloyd Grand, con quien grabaron la primera demo, No Life Till Leather, aunque no tardó en ser reemplazado. Dave Mustaine se incorporó a la banda a comienzos del 82 junto con el bajista Ron McGovney. No obstante, estos tampoco duraron mucho por allí. El primero en abandonar la nave ese mismo año fue McGovney, cuyo sustituto fue Clifford Lee Burton (ex Trauma).  Después, a comienzos de 1983, le llegó el turno a Mustain debido a problemas con la bebida.  Mientras él fundaba Megadeth, su testigo como guitarra principal en el grupo recayó en las virtuosas manos de Kirk Hammett (ex Exodus).

Así pues, Hetfield, Burton, Ulrich y Hammett (en la fotografía, de arriba a abajo y de derecha a izquierda) configuraron la primera formación histórica de Metallica entre el 83 y el 86. Durante esta primera etapa se dieron a conocer  por unas canciones de estructuras complejas así como por unas letras que como tantas otras hablaban sobre  preocupaciones propias de adolescentes,  muerte y miedo. Pero a diferencia de otras bandas, en ellas también reflejaban aspectos más profundos, como la violencia política. De todo esto hicieron gala en su debut discográfico. Grabado en Nueva Jersey con el sello de Megaforce Records, Kill ‘Em All (1983) sacudió las bases de la teoría del Metal con tintes hardcore y punk, como los del tema Seek and Destroy, en adelante un clásico de los directos del grupo que giraba en torno a la violencia callejera.

Más allá de la muerte

Con su segundo trabajo, Ride the Lightning (1984), confirmaron que su apuesta, su seña de identidad, funcionaba. Consistía en una mezcla de sonido duro  y melodía que recibió el nombre de “trash”, siendo un buen ejemplo del último campo la pista Fade to Black, en el umbral del término balada.

Masters of Puppets (1986) no sólo continuó con las pautas de sus antecesores, sino que consagró a sus progenitores entre las bandas más importantes del Metal mundial. En Estados Unidos se coló entre los 30 más vendidos y lo consiguió sin la ayuda de las emisoras de radio, territorio vetado para su música. La posterior gira que Metallica llevó a cabo con Ozzy Osbourne les llevó hasta Suecia, donde el 27 de septiembre de 1986 su autobús se salió de la carretera y Burton perdió la vida.

Sin embargo, aquel trágico suceso no impidió que la banda cumpliera con sus compromisos y la gira se completó. El bajista elegido para ocupar el hueco dejado por Burton fue Jason Newsted, ex miembro de las bandas Flotsam y Jetsam. Con él se configuró la segunda formación histórica (Hetfield, Hammett, Ulrich y Newsted, de izquierda a derecha en la imagen), cuya primera obra fue un EP de versiones de grupos punk y metal como Diamond Head, Budgie, Killing Joke o The Misfits titulado Garage Days Re-Revisited —la base del trabajo se llevó a cabo en el garaje de Ulrich, de ahí el porqué del nombre—. En agosto de 1988 vio la luz …And Justice for All, cuarto álbum de estudio y primer Top 10 de Metallica —por cierto, esos puntos suspensivos no pretenden intrigar, sino que forman parte del título—, que pese a no contar con la mejor de las producciones tenía a su favor One, una de sus canciones más representativas y el primer videoclip que grabaron.

De tres en tres

Después de un parón de tres años, en 1991 volvieron con Metallica. Más conocido como el álbum negro, definitivamente les dio a conocer en todo el mundo apostando por un sonido más “para todos los públicos”, desde la heavy Enter Sandman hasta la balada Nothing Else Matters, pasando por The Unforgiven. Este número uno ha vendido 15 millones de copias.

Nothing Else Matters

The Unforgiven

Y claro, unas cifras de ventas semejantes desembocaron en una gira a la altura de las circunstancias. Duró cerca de otros tres años y a punto estuvo de costarles cara. En 1992, en Montreal, Hetfield sufrió quemaduras de segundo y tercer grado en cara y brazo izquierdo. Ocurrió durante el concierto que ofrecían allí junto a Guns ‘N Roses, cuando en plena interpretación de Fade to Black se subió a una torre pirotécnica y ésta hizo explosión. Pero no fue lo único destacable que aconteció en la gira. Antes de que acabara, en 1993, se grabó a lo largo de cinco conciertos en Ciudad de México su primer disco en directo, Live Shit.

El cuarto trabajo de estudio —y el más largo con 14 pistas— no llegó hasta 1996 y lo hizo rodeado de polémica por diferentes motivos. En primer lugar, Load no fue el primero de Metallica publicado por un sello diferente al de Elektra por muy poco. Descontentos con el porcentaje que les correspondía (14%), demandaron a la discográfica, pero el pleito se resolvió fuera de los tribunales con la renegociación del contrato. En segundo lugar, no fue recibido con el mismo entusiasmo por parte de todos sus seguidores. Load exhibió nuevos sonidos e influencias, experimentales, de acuerdo con el surgimiento de Nirvana en aquel momento.

Until It Sleeps

Fueron los cabezas de cartel del festival Lollapolooza, propio de música alternativa, puk rock y hip hop, y mostraron las suyas tras cortarse las melenas. No obstante, tal revolución volvió a ser un éxito de ventas y el disco coronó los ránquines con 10 millones de copias vendidas —aunque en ese caso sus fans procedieran del pop-rock—.

Ejercicios de retrospección

Y un año después, en 1997, se repitió la historia con ReLoad, creado a partir de material procedente de las sesiones de grabación del anterior. Una formular similar se empleó en el doble CD Garage Inc. poco después (1998). En él la banda recuperó el EP Garage Days Revisited para combinarlo con 11 nuevas versiones y caras B. Tras tanta “revisión” encontraron el momento idóneo para ser originales y grabaron en 1999 S&M, una de las escasas colaboraciones que ha habido jamás entre una banda de rock y una sinfónica, en su caso la de San Francisco.

Hero of the Day

Fábula del rockero y la bebida

El nuevo milenio trajo consigo cambios en el seno de la banda y Newsted salió de ella en 2001 aduciendo tensiones personales con Hetfield. Mientras tanto, este último comenzó a grabar un nuevo álbum con sus compañeros, pero en 2002 siguió sus pasos y trató de superar sus problemas con el alcohol en una clínica de rehabilitación. ¿Lo logró? Un año tardó en regresar para terminar St. Anger, y a tenor de lo contado por Diego A. Manrique a un servidor parece que así fue:

Me tocó entrevistar a James Hetfield. Dos recuerdos nítidos: lo lúcido, lo razonable que era James, ya en sus tiempos de sobriedad; no apareció la Bestia Incontrolable que me habían advertido (…).

Es más, el propio James aclaró al periodista el porqué de que un fisioterapeuta le acompañara para entretenerlo y evitar que cayera en viejas tentaciones: Un adicto a cualquier sustancia nunca se cura del todo. Sería estúpido obviar que puedo recaer. Mira, en mi habitación tenía un póster de Aerosmith. Para mí, eran dioses, los reyes del cool, modelos de comportamiento. Luego, lees su biografía y te enteras que siguen vivos de milagro, que estuvieron a punto de palmarla, que se arruinaron. Yo no soy más listo que ellos.

Aquella entrevista se realizó en 2003 con motivo del concierto que Metallica dio en Madrid para promocionar el citado disco, descrito por el vocalista como uno de grupo, con aportaciones de todos, una declaración de salud, de felicidad, de potencia, y  de su capacidad para expresar rabia y demás emociones. En ese “todos” está incluido Robert Trujillo, ex Suicidal Tendencies y Ozzy Osbourne, quien se estrenó como bajista en la banda con su elaboración.

Últimas noticias

De esta manera se cerró la formación actual de Metallica: Hetfield, Ulrich, Hammett y Trujillo. Ellos  fueron quienes grabaron el noveno álbum de estudio, publicado en 2009 bajo el rótulo de Death Magnetic, así como el original de la banda —el mismo que encabeza esta este post—, algo que no ocurría desde hacía 15 años.

The Day that Never Comes

Fuentes consultadas:

STRONG, Martin C., The essential rock discography, Canongate Books, Edimburgo, 2006.

ASSANTE, Ernesto, Leyendas del Rock, Blume, Barcelona, 2008.

ESTACIO, Benjamín A., Monsters of Rock, T&B editores, Madrid, 2008.

MANRIQUE, Diego A., Dioses y bestias, entrevista publicada en El Pais, 2003.

www.rollingstone.com

www.metallica.com

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Estoy convencido de que alguien, al otro lado del amasijo de cables, jugó en alguna ocasión durante su infancia al ¿Quién es quién? Pues bien, más que una versión del original, esto es simple y llanamente una excusa para desenmascarar los rostros de “el grupo más caliente del mundo”. Al fin y al cabo se trata de volver a escribir y leer acerca de Kiss, aunque en esta ocasión desde otro punto de vista, en concreto desde el de sus álter egos.  Nos referimos al papel que cada miembro representa de cara al público, ya sea en un concierto, un videoclip, una película o un cómic, y que se corresponde con un maquillaje específico elegido en última instancia por su legión de fans, la célebre KISS ARMY. Así pues, a continuación descifraremos qué mensajes esconden  estos rostros pintados y en qué se diferencian los unos de los otros:

Este es “Starchild“, el otro yo de Paul Stanley (vocalista y guitarrista). Traducido al castellano, “Niño estrella”. Y es que su caracterización consiste en una gran estrella en torno a su ojo izquierdo. ¿Y por qué una estrella? Según parece, Stanley siempre ha sido el romántico del grupo, el seductor, y de ahí sobrenombres como el amante de la mirada estrellada. De hecho, su contribución en algunas de las baladas más conocidas de la banda, como I Was Made for Lovin’ You, Hard Luck Woman, Forever o Sure Know Something ha sido decisiva. Antes de asumir el rol de “Starchild”, en 1973 empleó en un par de ocasiones el de “The Bandit”, motivo por el cual, como buen bandido, ocultaba su rostro bajo un antifaz.

Con ustedes, “Catman“, es decir, Peter Criss (batería). Se cree que el “Hombre gato”, al igual que los felinos, tenía nueve vidas. Pero el porqué más racional lo hallamos en su difícil niñez en Brooklyn, el distrito más populoso de Nueva York.  Con un papel menos vistoso que el de sus compañeros, Criss también protagonizó sus momentos de gloria poniendo voz a Black Diamond y Beth, su gran creación y uno de los mayores éxitos de Kiss. El primer batería, pero no el único.  Tras Eric Carr, actualmente ese lugar lo ocupa otro Eric, Eric Singer, quien además heredó sus bigotes.

Detrás de esa pintura se encuentra Ace Frehley, cuyos tonos plateados se corresponden con el personaje de “Spaceman“. Al respecto podemos elegir entre dos leyendas urbanas:  la primera, “Space-Ace” tenía un sueño, viajar al espacio; y la segunda, ya lo cumplió porque nació lejos de la Tierra. ¿Con cuál nos quedamos? Pues a tenor de su manera de tocar la guitarra habría que decantarse por la última. Pero ese instrumento no ha permanecido en todo momento entre las mismas manos en la historia de Kiss. Tampoco la caracterización del “Hombre del espacio”, y es que en la actualidad tras ella está Tommy Thayer.

No es de extrañar que la gente tenga a Gene Simmons (bajista) por satánico… máxime si él mismo se hace llamar “The Demon“. Pero si sumamos a la inquietante máscara una lengua casi tan larga como la sombra de su propietario en esto del Rock, ante nosotros tenemos  a la mismísima personificación de Lucifer. No hay duda. No obstante, no sólo hay oscuridad reflejada en las pinturas de guerra del Demonio, sino suspicacia, esto es idea sugerida por la sospecha o desconfianza. En fin, se puede desconfiar de su apariencia, pero nunca de su música.

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Su inconfundible avión, un Airbus 727 bautizado como Ed Force One, surca los cielos en busca de una nueva pista de aterrizaje en la que posarse y regurgitar el imponente equipo de música. Su camaleónica mascota Eddie adorna las camisetas de millares de fieles metaleros, los mismos que no dudan en colgar el cartel de “no hay billetes” cada vez que sus héroes ponen un pie en tierra firme. Sus nombres ya han encabezado los créditos de una película —Flight 666— y, a la espera de nuevo material, sus discos continúan vendiéndose en todo el mundo ajenos a cualquier tipo de crisis. Por estos y otros  motivos Iron Maiden es considerada una de las bandas más  influyentes del Heavy Metal. Pero aviso a navegantes, no se trata de ningunos jovencitos de moda, sino de unos viejos rockeros que llevan agitando sus melenas desde la década de los setenta y sin fecha de caducidad conocida, tal y como apuntó hace tiempo su actual vocalista en la revista Metal Hammer: “esta banda no tiene jodidos límites. Si hay un fan metalero en la Luna llegaremos hasta él”.

Concretamente el origen de la historia lo encontramos a finales de 1975 en Leytonstone, una zona  del este de Londres que había visto nacer a Alfred Hitchcock 76 años atrás. Y aunque en estos momentos la pereza me impide confirmaros si el parto del cineasta británico fue sencillo, lo cierto es que el de sus vecinos fue más bien lo contrario, fórceps incluidos.

Después de algún que otro cambio de cromos, a mediados del 77 la formación de la banda quedó configurada de la siguiente manera: Steve Harris (bajo), Dave Murray (guitarra), Paul Di’Anno (vocalista) y Doug Sampson (batería). Fue entonces cuando el cuarteto empezó a ofrecer sus primeras actuaciones en torno a la capital inglesa, actuaciones en las cuales  se dio a conocer por su incombustible sonido, sin conservantes ni colorantes. Además, y aprovechando su creciente tirón, decidieron pagar de su propio bolsillo The Soundhouse Tapes, el EP de su debut. Podríamos especificar el importe de aquello, de acuerdo, pero al fin y al cabo resultaría irrelevante ya que terminó siendo rentable, y no tardaron mucho en comprobarlo. Resumiendo, el casete en cuestión pasó de mano en mano hasta que acabó en poder de la discográfica EMI, y ésta les puso sobre la mesa un contrato que no pudieron rechazar.

Running Free

De esta manera, y con un par de caras nuevas entre sus filas, las de Clive Burr (batería) y Dennis Stratton (guitarra) —Sampson abandonó la formación— lanzaron en 1979 su primer single, Running Free, y un año después, el primer álbum. Iron Maiden siguió la estela de Black Sabbath y Uriah Heep para escalar posiciones a una velocidad vertiginosa en las listas de Reino Unido, con temas ásperos, sombríos y rotundos como el citado Running Free, Prowler o Phantom of the Opera, y con el rostro del monstruoso Eddie en la carátula.

Tras un Killers (1981) más discreto, en el que ya participó Adrian Smith —tomó el relevo de Stratton—, Di’Anno cedió su lugar junto al pie de micro a Bruce Dickinson, quien contaba con un registro vocal más apropiado para el Heavy Metal que su antecesor (más Punk). Corría el año 1982 y así llegó The Number of the Beast, el trabajo de la consolidación y el que alcanzó el número uno en las Islas por primera vez. La trayectoria del grupo mantuvo el rumbo ascendente durante la década de los ochenta gracias fundamentalmente a Piece of Mind (1983) y Powerslave (1984). No menos exitosos resultaron Somewhere in Time (1986) y Seventh Son of the Seventh Son (1988), pero mostraron un corte diferente, más variado, como demuestra el uso de sintetizadores, algo inédito en Iron Maiden hasta entonces.

The Trooper (Piece of Mind)

2 Minutes to Midnight (Powerslave)

Wasted Years (Somewhere in Time)

En 1990 Adrian Smith dejó la banda poco antes de la publicación de No Prayer for the Dying, y él se lo perdió puesto que el álbum pasó a la historia por albergar la primera canción del grupo en  coronar los ránquines de ventas, Bring Your Daughter… to the Slaughter. Pero el cuento tomó otra dirección cuando, después de publicar Fear of the Dark en el 92 —otro éxito en mayúsculas—, Dickinson se despidió de sus compañeros para centrarse por completo en su carrera en solitario. Pues bien, aquella “dirección” fue en picado y sin paracaídas, situación que superó al nuevo comandante y voz de la banda, Blaze Bailey (ex Wolfsbane), quien asistió como testigo de excepción a la caída del aparato con The X Factor en 1995, y a la combustión de los restos con Virtual XI en 1998. Sin embargo, y pese a la aparatosidad del accidente, no hubo que lamentar víctimas… salvo Bailey, quien salió de la cabina como había entrado, es decir, sin hacer ruido.

Bring Your Daughter… to the Slaughter

Afortunadamente para Iron Maiden, el sustituto fue un viejo conocido, Dickinson, quien se puso manos a la obra dispuesto a conseguir que la aeronave remontara el vuelo como en los viejos tiempos. Y vaya si lo hizo. Brave New World (2000) devolvió a los británicos a lo más alto del panorama mundial, de donde no volvieron a apearse. Algo más que  meritorio si tenemos en cuenta que en lugar de vivir de las rentas, más tarde se la jugaron con tres nuevos trabajos de estudio, Dance of Death (2003), Death of the Road (2005) y A Matter of Life and Death (2006), a los que acompañaron nuevas y maratonianas giras —la última, “Somewhere Back In Time”, entre 2008 y 2009—.

Escribir algo así como “no sabemos lo que el futuro les deparará” sería un buen final, pero no se ceñiría a la realidad. Y es que en la misma entrevista para Metal Hammer a la que hacíamos referencia al comienzo, Bruce Dickinson declaró lo siguiente: “No, definitivamente éste no es nuestro último esfuerzo [gira 'Somewhere Back in Time'], ni mucho menos. El último álbum de estudio [A Matter of Death and Life] lo disfrutamos tanto que, como mínimo, habrá otro más adelante.“ Así que sólo podemos aguardar con impaciencia la llegada de ese momento, cuando la Bestia surque los cielos por enésima vez y deje tras de sí su legendaria estela de Heavy Metal.

En 2009 Iron Maiden consta de tres guitarras (Janick Gers, Dave Murray, Adrian Smith), un batería (Nicko McBrain), un bajo y único miembro que jamás abandonó el grupo (Steve Harris) y un vocalista que pilota realmente el avión con el que todos ellos sobrevuelan el mundo (Bruce Dickinson).

• Fuentes consultadas:

STRONG, Martin C., The essential rock discography, Canongate Books, Edimburgo, 2006.

http://www.rollingstone.com/artists/ironmaiden/biography

INGHAM, Chris, Metal Hammer, nº 249

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Tras el fallecimiento de Antonio Vega fui consciente de algo como jamás hasta ese momento lo había sido. Un algo que quizás deba de aprenderse antes en esta vida, pero se trata de ese tipo de cosas  que no piensas detenidamente hasta que te afectan de una manera más cercana: ¿Por qué esperar a la muerte para rendir homenaje?  Por ello decidí organizar una semana dedicada en exclusiva a una de las bandas más influyentes de la historia del Heavy Metal.

Canguros adoptivos

AC/DC fue creada en Sydney en 1973 por Malcolm Young (guitarra rítmica), diez años después de su llegada a Australia desde su Escocia natal junto con su familia, y tras desintegrarse la banda en la que había tocado hasta ese momento, The Velvet Underground —no confundir con la liderada por Lou Reed—. A su lado, Dave Evans (vocalista), Rob Bailey (bajo), Peter Clack (batería) y Angus Young, su hermano menor, como guitarrista principal. Esto último  no tendría que despertar mayor interés y admiración de no ser porque por aquel entonces éste contaba con tan sólo 15 años de edad. Acerca del origen de su legendario uniforme de colegial sobre el escenario —y tan legendario, exhibido en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York—, muchas versiones. Desde que los ensayos de su primera banda coincidían con la salida del colegio y por ese motivo no tenía tiempo de cambiarse —entonces tenía 9 años—, pasando porque una profesora le decía que siempre sería un don nadie  y así él quiso que viera que se equivocó, o que fue un consejo de su hermana. Aquella primera formación —la misma que había tomado el nombre a partir de  la abreviatura de “alternating current/direct current” (corriente alterna/corriente continua) que podía leerse en una máquina de coser de Margaret, hermana de Malcolm y Angus— publicó un único sencillo, Can I Sit Next to You, producido por  el mayor de los Young, George, y  Harry Vanda —quienes posteriormente harían lo propio con algunos de sus discos a través de su discográfica Albert Records— y actuó por primera vez el 31 de diciembre en el Club Chequers.

Bon Scott y su fama de duros

Un año después se trasladaron a Melbourne e incorporaron al batería Philip Rudd y al bajista Mark Evans, además de un nuevo cantante tras la marcha de Dave a los Rabbit. Bon Scott, quien entre otras cosas había sido chófer de la banda y había formado parte de otras como The Valentines y Fraternity, ocupó la vacante. Un individuo que no logró alistarse en el ejército australiano por ser tachado de inadaptado social, y que cargaba con una serie de delitos menores a sus espaldas.

Con este reparto llegaron los dos primeros discos, High Voltage (1974) y T.N.T. (1975), ambos de Plata, Oro y Platino. Sin embargo, fue en el directo donde residía su mayor potencial. Unas puestas en escena sustentadas  sobre el magnetismo salvaje de Bon, sus ademanes chulescos, y la inverosímil actividad de Angus sobre el escenario, con ese hipnótico cabeceo a lo muñeco de salpicadero aderezado de cuando en cuando con el inconfundible paso del pato —popularizado antes por Chuck Berry—, que les convirtieron en poco tiempo en un grupo de referencia en su Australia adoptiva. Pero eso no era suficiente, había que conquistar el resto del mundo.

High Voltage

Salto de calidad

Buscando este objetivo se mudaron a Londres en 1976, desde donde publicaron una selección de sus dos primeros trabajos, de nuevo bajo el título High Voltage, el primer lanzamiento internacional de AC/DC al cual siguió Dirty Deeds Done Dirt Cheap a finales de ese mismo año, así como la marcha de Mark Evans, cuyo puesto lo ocupó Cliff Williams. Pero el éxito absoluto en Gran Bretaña no lo alcanzó ninguno de ellos, aunque tampoco hubo que esperar mucho. De eso se encargó Let There Be Rock (1977), un hito en muchos sentidos: primer álbum de la banda publicado simultáneamente en diversos países, primero en incluir el logo tal y como lo conocemos hoy en día y primero en entrar en las listas estadounidenses. Precisamente fue Estados Unidos la siguiente meta. Tras Powerage (1978), la plaza americana cayó definitivamente ante el Rock contagioso de los hermanos Young en 1979 con el Platino Highway to Hell como ariete, su primer disco en vender el millón de unidades. Entonces, cuando ya podían afirmar sin temor a equivocarse que habían coronado la cima del mundo, cuando estaban en la cúspide de su carrera, la trágica muerte de Bon Scott les sorprendió irremediablemente el 19 de enero de 1980. Ocurrió en Londres después de una noche de alcohol y vómitos, el cantante tenía 33 años.

Sin City

Riff Raff

A rey muerto, rey puesto

Dos meses más tarde un inglés llamado Brian Johnson, procedente de la banda Geordie —por cierto, del gusto de Bon— fue reclutado para ocupar el puesto de este último, y un mes después estaba encerrado en el estudio con sus nuevos compañeros para grabar el que sería su trabajo más vendido. Back in Black vendió 10 millones de unidades únicamente en Estados Unidos gracias a temas legandarios como You Shook Me All Night Long, Hells Bells, Rock and Roll Ain’t Noise Pollution o, cómo no, el  mismo con el cual compartía título. En cierto modo fue un tributo al malogrado vocalista, no explícitamente, pero el negro de su carátula y las campanas del citado Hells Bells no dejaban de ser muestras de luto. No obstante, Back in Black no coronó las listas norteamericanas, algo que sí logró su sucesor por primera vez en la carrera del grupo, For Those About to Rock, en 1981. Habían vuelto a la cima en un tiempo récord y pulverizaban sus propias marcas sin piedad.

Cal y arena

En 1982 Phil Rudd fue sustituido por Simon Wright. A partir de entonces los australianos comenzaron a alternar algunos de sus directos más memorables, como los multitudinarios Castle Donington o Rock in Rio, con trabajos menos brillantes, Flick of the Switch primero y  Fly on the Wall después, hecho que arrastró su popularidad hasta el filo del abismo.

Hells Bells, Rock in Rio

Tuvo que ser una colección de sus temas más representativos acompañados por otros inéditos, Who Made Who (1986), la que acudiera en su ayuda para romper con esa dinámica negativa.  Blow Up Your Video en 1988 y  The Razor’s Edge, recien estrenados los noventa (con el single Thunderstruck a la cabeza y un nuevo batería, Chris Slade, tras la marcha de Wright a DIO) siguieron esa línea, pero el éxito era otra historia. De eso se ocupó el Ballbreaker de 1995 producido por Rick Rubin, con Phil Rudd de vuelta y un listado con pistas como Hard as a Rock y The Furor.

Who Made Who

Thunderstruck

Hard as a Rock

¿Y después qué?

El siglo XXI trajo consigo su confirmación definitiva entre los más grandes de la historia, con los trabajos de estudio Stiff Upper Lip, número cuatro en 2000, y Black Ice, número uno en 2008, sin olvidar su entrada en el Rock and Roll Hall of Fame en 2003.  Malcolm, Angus, Brian, Cliff y Phil  no tienen que demostrar nada, el infierno se lo han ganado con creces.

Stiff Upper Lip

Highway to Hell, Rock and Roll Hall of Fame

STRONG, Martin C., The essential rock discography, Canongate Books, Edimburgo, 2006.

HOLMES, Tim, http://acdc.com/history/bio.php

THOMAS, Stephen, http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=11:kifoxqw5ld0e~T1

http://www.rollingstone.com/artists/acdc/biography

GAAR, Gillian G., AC/DC, Encyclopædia Britannica Online,  http://www.britannica.com/EBchecked/topic/3116/ACDC

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Si no me fallan las cuentas, y espero que no sea así, hoy, 19 de marzo, los valencianos celebran  el día grande de sus fiestas. La claridad dará paso a la oscuridad, y la mascletà, a la cremà. De manera que cuando caiga la noche arderá el colorista cartón piedra, y una vez las llamas hayan consumido los últimos retazos, pasada la hora de las brujas, empezará la cuenta atrás para las fallas del próximo año.

Tal vez haya quien piense que esta forma de hilvanar temas no sea la más adecuada, ni la más original, y no le faltará razón, pero es que al hablar de fuegos de artificio y petardos varios, inevitablemente se me viene una palabra, o mejor dicho, una banda a la cabeza. Y es que si en la historia del Rock ‘n’ Roll ha existido un grupo que ha sabido sacar provecho a la pirotecnia sobre un escenario, esos son ellos.

Un cuarteto de anuncio

Corría el año 1972, cuando, en algún lugar de la Ciudad de Nueva York,  la paciencia de Gene Simmons (vocalista y bajista) y Paul Stanley (vocalista y guitarrista) superó su límite. Decepcionados con la marcha de su banda, de nombre Wicked Lester, y tras la negación de Epic Records de producir el único disco que habían grabado, decidieron hacer algunos cambios en ella. Comenzaron por endurecer su estilo hasta el Hard Rock  e iniciaron la búsqueda de nuevos compañeros. A finales de ese mismo año,  encontraron en la revista Rolling Stone el anuncio de Peter Criss (batería), y poco después,  el de Ace Frehley (guitarrista) en The Village Voice. De manera que en enero de 1973, cuando ambos habían superado  sus respectivas audiciones, y la banda  estaba completa,  ésta pasó a denominarse Kiss y celebró su primera actuación, en el club Popcorn de Queens. Por aquel entonces la pintura ya cubría sus rostros y los fuegos de artificio aderezaban sus directos. Con esta atractiva tarjeta de presentación, y la ayuda de un empresario llamado Bill Aucoin —a la postre, su mánager— firmaron su primer contrato discográfico con Casablanca Records.

Debut contradictorio

En 1974 los neoyorquinos publicaron Kiss y Hotter than Hell, primer y segundo trabajo de estudio  respectivamente, y aparecieron por vez primera en televisión en ABC, donde interpretaron Nothin’ to Lose, Firehouse y Black Diamond.

Un año después salió al mercado Dressed to Kill, el tercero en discordia, pero,  como sucediera en los casos anteriores, no logró las ventas esperadas y agravó la delicada situación de la discográfica, al filo de la quiebra. Sin embargo, esto no dejaba de ser curioso, y es que los conciertos de la banda gozaban cada vez de una mayor aprobación y popularidad entre el público; todo un espectáculo, con Simmons haciendo las delicias de los asistentes con su aliento de fuego, sangre y su prominente lengua.

¿Cara o cruz?

A finales de 1975 vio la luz Alive!, es decir, lo mejor de sus directos en forma de doble disco. La incertidumbre de la banda no podía ser mayor. Para mantener su contrato con Casablanca, contaban  en contra con un listado de temas que no habían logrado ningún éxito destacable anteriormente, y a favor, con la energía de sus actuaciones.  Pues la moneda salió cara y el álbum pulverizó las ventas de sus antecesores, gracias en parte a la versión en vivo de Rock And Roll All Nite, su primer gran sencillo. A raíz de este espaldarazo comercial los seguidores de Kiss se convirtieron en legión, por lo que el grupo inauguró su club de fans KISS ARMY ese mismo año.

Más y mejor

Conocían la receta del éxito, estaba en su poder y así lo demostraron con el lanzamiento de Destroyer en 1976, su trabajo de estudio más vendido. Temas inolvidables como Detroit Rock City, God of Thunder o la aclamada balada Beth desataron la KISSteria definitivamente.

God of Thunder Destroyer Tour, 1976

Lejos de detenerse ahí, la banda continuó su escalada hacia las alturas del panorama musical de la época con dos nuevos discos, Rock and Roll Over (1976) y Love Gun (1977). Al margen de los ingentes ingresos de dólares y similares, una de las mayores recompensas de los de Nueva York fue la de actuar en el Madison Square Garden, templo de la música donde los haya, como cabezas de cartel en febrero del 77 por primera vez.

Shout It Loud Madison Square Garden, NY, 1977

Pero todo lo que sube…

No obstante, y como se suele decir, no todo era de color de rosa. Según algunas voces críticas, Kiss había suavizado su sonido con el fin de agradar al gran público. De hecho los adolestentes eran habituales en sus conciertos, del mismo modo que lo eran sus líneas de merchandising en los estantes de las tiendas, desde cómics hasta juguetes.

Después de un nuevo álbum en directo, Alive II (1977), y un grandes éxitos, Double Platinum (1978), llegó el primer gran traspiés. En 1978, de acuerdo con una estrategia de su mánager, cada miembro lanzó un disco en solitario el mismo día.  Pero el recurso de conservar la estética del grupo, así como el de adornar cada portada con el nombre  del músico correspondiente y el propio de “KISS”, no fue suficiente: Kiss 4X1. Tras protagonizar una película, Kiss Meets Phantom of the Park, y con permiso del trabajo Dynasty (1979) y su célebre sencillo I Was Made for Lovin’ You, el declive de la banda era un secreto a voces.

Al poco tiempo de la publicación de Unmasked en el 80, se produjo la marcha de Criss debido a desavenencias con sus compañeros. Eric Carr ocupó su puesto y con él sentado en la batería llegaron Music from the Elder y Creatures of the Night, y nuevos registros entre sus pistas, todo sea dicho, principalmente en las del primero. Frehley, disgustado con estos vaivenes, siguió los pasos de Criss y  abandonó el grupo en 1982.

A cara descubierta

Los asistentes a la gira de Creatures of the Night fueron los últimos en disfrutar del maquillaje y los disfraces del grupo. El 18 de septiembre de 1983 los integrantes de Kiss aparecieron en un programa especial de MTV para presentar su nuevo trabajo, Lick It Up, y lo hicieron como cualquier otro artista. De esta manera, con una imagen renovada, vestidos según los dictados de la moda de la década, la banda volvió a la senda del triunfo.

Uno tras otro, Animalize (1984), Asylum (1985), Crazy Nights (1987) y Hot in the Shade (1989),  este último con la gran balada Forever,  cosecharon  sendos éxitos de ventas.

Los 90 empezaron de forma trágica con la muerte de Eric Carr a causa de un cáncer, y en mitad de la grabación de un nuevo trabajo de estudio. Eric Singer fue el elegido para concluir su labor, y Revenge vio la luz en 1992 con la emotiva dedicatoria al batería fallecido.

Vuelta a empezar

En 1995 Kiss regresó a MTV para protagonizar un Unplugged con la colaboración de Peter Criss y Ace Frehley.

Goin’ Blind

La experiencia fue tan positiva que la formación original volvió a reunirse para llevar a cabo una gira en la que recuperar sus pinturas de guerra. “Alive Worldwide Reunion Tour“  arrancó en el Tiger Stadium de Detroit el 28 de junio de 1996, y durante los 13 meses que duró visitó 26 países y a ella acudieron cerca de dos millones de personas. Pero aún hubo más, y en 1998 salió al mercado Psycho Circus, el primer álbum con material inédito de los miembros originales en 19 años, y el último de la banda hasta el día de hoy.

Deuce Tiger Stadium, 1996

Desde entonces Kiss inauguró su estrella en el paseo de la fama de Hollywood, fue portada de la revista Playboy, y actuó en la Super Bowl XXXIII en Miami, en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de Salt Lake City, en apoyo de las tropas estadounidenses destinadas en Irak y Afganistán o con la colaboración de la orquesta sinfónica de Melbourne, lo que posteriormente daría lugar a Kiss Symphony: Alive IV en 2003. Tras nuevas salidas y entradas entre sus filas, en la actualidad son Paul Stanley, Gene Simmons, Eric Singer y Tommy Thayer quienes componen “El grupo más caliente del mundo”.

Love Gun “Kiss Symphony Alive IV”

STRONG, Martin C., The essential rock discography, Canongate Books, Edimburgo, 2006.

http://www.rollingstone.com/artists/kiss/biography, a partir deThe Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll (Simon & Schuster, 2001)

Kiss chronology, http://www.kissonline.com/chron/

Discography, http://www.kissonline.com/music/

A pesar de ser conocidos como “Los chicos malos de Boston“, lo cierto es que las raíces de la banda no se encuentran en el estado de Massachusetts, sino en el vecino New Hampshire, concretamente en el pueblo de Sunapee. Allí fue, a orillas del lago Sunapee, donde comenzó la historia de Aerosmith en el verano de 1970 con Steven Tyler (vocalista), Joe Perry (guitarra), Tom Hamilton (bajo), Joey Kramer (batería) y Ray Tabano (guitarra) —quien sería sustituido al cabo de poco tiempo por Brad Whitford—, como protagonistas. Una vez formado el grupo, este se trasladó en busca de oportunidades a Boston, lugar en el que compartieron apartamento y comenzaron a hacerse un hueco tocando  en  locales nocturnos. No fue hasta 1972, durante una actuación en el club Max’s Kansas City de la ciudad de Nueva York, cuando llamaron la atención de una  discográfica, Columbia, lo cual les reportó el billete para grabar su álbum debut. Aerosmith vio la luz un año más tarde, y su fusión de Rock ‘n’ Roll, Blues y R&B presente en temas como Mama Kin, Walkin’ the Dog o la célebre balada Dream On fue comparada  con el estilo de The Rolling Stones, y no sólo con el estilo. De hecho, la dupla Tyler-Perry fue bautizada  sarcásticamente como “Gémelos tóxicos” en alusión a sus adicciones y al nombre autoimpuesto de los satánicos Jagger-Richards (“Glimmer Twins”).

En 1974, Get Your Wings los consolidó como una de las bandas emergentes a tener en cuenta en la escena norteamericana, y un año después, Toys in the Attic, su trabajo de estudio mejor valorado por la crítica, los catapultó definitivamente al estrellato con la ayuda de dos de las canciones más famosas de la banda, Sweet Emotion y Walk this Way. Como si de unos intrépidos montañeros se trataran, en 1976 alcanzaron la cima con Rocks, pero continuando con el símil, el descenso posterior fue tortuoso.

Tras dos álbumes poco exitosos, Draw the Line (1978) y Night in the Ruts (1980), y agotadoras giras, el desgaste y la tensión entre sus miembros provocó las marchas de Perry, primero, y de Whitford más tarde. No obstante, Tyler decidió seguir adelante con nuevos compañeros, de forma que en 1982 vio la luz  Rock in a Hard Place, otro fracaso. Cuando parecía que Aerosmith había llegado a su fin y sería sepultado por las nuevas bandas y tendencias musicales, se produjo la reconciliación entre Steven y Joe. Así pues,  con  la formación original reunida una vez más, grabaron un nuevo trabajo de estudio, Done With Mirrors (1985), pero si pretendían recuperar el tiempo perdido necesitarían algo más. Ese “algo” fue una colaboración con una pareja de moda de hip hop, Run DMC, con quienes reeditaron el tema Walk this Way. La jugada les salió tan redonda que sus siguientes discos se contaron por éxitos rotundos: Permanent Vacation (1987), Pump (1989), Get a Grip (1993) y Nine Lives (1997).

Sin embargo, las mieles del triunfo también llevaron la relajación a la banda, y con ella, los problemas, como el fantasma de las drogas. Pero afortunadamente el “malestar” volvió a ser pasajero, y la balada compuesta para la película Armageddon (1998), I Don’t Want to Miss a Thing, alcanzó el primer puesto del ranquin Billboard Hot 100, disipando así todas las preocupaciones de Tyler, Perry y compañía de cara al nuevo milenio. En 2001 lanzaron al mercado con fuerzas renovadas Just Push Play, su decimotercer álbum, y tres años después, Honkin’ On Bobo, un disco de versiones Blues con el que quisieron rendir tributo a sus ídolos y recuperar la esencia de sus orígenes.

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Esta mañana me ha pasado algo muy curioso. Resulta que  vi el partido de baloncesto que grabé anoche —para los seguidores del ”I love this game” diré que jugaron los Lakers contra los Spurs y ganaron los primeros—, y como es habitual en NBA+, cerraron la retransmisión con las mejores imágenes del encuentro acompañadas por una canción, que en esta ocasión fue America de Razorlight. Pues bien, casualmente llevaba yo un tiempo con la idea de escribir algo acerca de este grupo de rock alternativo, del que he escuchado varias canciones —muy buenas, por cierto—, que me recomendó un antiguo colaborador de este blog. Así que como no creo en el azar, no me entretengo más y vamos allá.

Razorlight nació en 2002 de la mano del cantante Johny Borrell. La banda la completaban los suecos Björn Ågren (guitarra) y Carl Damelo (bajo), y el batería Christian Smith-Pancorvo, y empezó a darse a conocer en Londres, donde grabaron su álbum debut Up All Night en 2004.  Tras el exitoso lanzamiento  de este primer trabajo de estudio, reeditado un año después, Christian abandonó la banda y fue reemplazado por Andy Burrows. A partir de entonces su escalada hacia lo más alto no se detendría, y de esa forma actuaron en el Live 8 londinense y fueron teloneros de grupos de la talla de Queen ( con Paul Rodgers), Oasis y The Rolling Stones.

Su segundo disco salió al mercado en 2006 bajo el mismo nombre del grupo. La acogida de Razorlight fue excepcional, así como las críticas recibidas, y alcanzó el primer puesto en el ranquin de ventas británico. La popularidad adquirida les valió para participar en el verano de 2007 en el Live Earth, además de ser nominados ese mismo año en los Brit Awards como Mejor grupo británico.

America

Who Needs Love?

In the Morning

La historia de esta banda está ligada a la de Rage Against the Machine. En octubre de 2000 Zach La Rocha, vocalista de R.A.T.M, anuncia su salida del grupo, provocando la ruptura del mismo. Sin embargo, los tres  componentes restantes, Tom Morello (guitarra), Tim Commerford (bajo) y Brad Wilk (batería) deciden continuar juntos, por lo que buscan un nuevo cantante. El elegido fue Chris Cornell, ex vocalista de Soundgarden, quien congenió a la perfección con sus nuevos compañeros desde el primer momento.

De este modo se forjó Audioslave bajo la batuta del productor Rick Rubin, y su álbum de debut, homónimo por cierto, salió al mercado en 2002. A pesar de la gran acogida del público (162.000 copias vendidas en su primera semana), las críticas recibidas no fueron buenas; afirmaban que el sonido de la banda no era sino una mera remezcla de pinceladas de R.A.T.M y Soundgarden,  no aportando nada nuevo al panorama del rock.

Sin embargo, Audioslave continuó apostando por esa fusión del Heavy Metal propio de Led Zeppelin o Black Sabbath y el grunge de Nirvana, todo ello acompañado por los excéntricos acordes de Morello.  Out of Exile, su segundo disco, vio la luz en 2005. Be Yourself, su primer single, recibió algunas críticas por sonar demasiado parecido a U2 o Red Hot Chili Peppers entre otros. A pesar de ello resultó ser todo un éxito comercial y pasó a ser el segundo sencillo más laureado de la banda, por detrás de Like a Stone.

En ese mismo año Audioslave ofreció un concierto en Cuba, reflejo de sus inquietudes políticas, convirtiéndose de esa manera en la primera banda norteamericana de rock en actuar en el país comunista. Sin perder el tiempo, tras la gira europea de Out of Exile, la banda comenzó a grabar su tercer trabajo de estudio, Revelations, publicado finalmente en 2006. El álbum fue menos vendido que sus antecesores, tal vez debido a los nuevos aires de funk, soul, R&B con los que fue elaborado. Revelations también fue el último disco de la banda: en 2007 Chris anunció su marcha debido a problemas personales y discrepancias musicales. Mientras tanto, Morello y compañía se reunieron con Zach la Rocha para recomponer Rage Against the Machine, y dar así por terminado Audioslave.

I am the Highway  

Like A Stone  

Be Yourself  

Doesn’t Remind Me  

Original Fire  

Show Me How to Live  

Uno de los padres del Heavy Metal, y una de las bandas más influyentes en la historia del rock, con 100 millones de discos vendidos en todo el mundo, nació en Birmingham (Inglaterra) en 1968 bajo el nombre de Polka Tulk Blues Company “Polka Tulk“. El grupo, formado por Tony lommi (guitarra), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y Ozzy Osbourne (vocalista),  cambió poco después este nombre por el de Earth. Sin embargo, una confusión con otro grupo llamado de la misma manera hizo que decidieran cambiarlo de nuevo, en esta ocasión por Black Sabbath, el título de un tema escrito por Geezer.

No fue este el único cambio experimentado por la banda británica. Los aires de rock, blues y jazz de sus primeros compases se volvieron más oscuros; El “culpable” fue el mismo bajo, quien trasladó su gusto por el ocultismo al sonido de Black Sabbath. De esta forma, adoptaron la oscuridad musical como su principal característica, aquélla por la que más tarde alcanzarían la fama y serían recordados.

Así pues, con el Heavy Metal por bandera, en 1970 lanzaron al mercado su primer álbum Black Sabbath. En ese mismo año publicaron Paranoid, su segundo trabajo de estudio, y en el que incluyeron canciones como Paranoid, su primer  single exitoso, y War Pigs. Después de tres discos más, en 1973 la banda ya era una de las más importantes del Metal mundial. Pero con la fama  llegaron los problemas y la inestabilidad, y a pesar del éxito comercial de trabajos como Sabbath Bloody Sabbath (1973) o Sabotage (1975) ,  la adicicción a las drogas comenzó a influir negativamente en la marcha de Black Sabbath. De esta forma llegó la primera salida de la banda por parte de Ozzy en 1978, aunque no tardó en regresar para grabar en ese mismo año Never Say Die!, el álbum más experimental de los ingleses hasta la fecha y con el que tocaron fondo definitivamente.

Los conflictos internos provocaron la marcha de Ozzy en 1979, pero en esta ocasión  ante la petición de sus compañeros. Con la llegada de Ronnie James Dio,  vocalista de Rainbow, comenzó una nueva etapa en Black Sabbath, en la cual regresaron a la senda del éxito con Heaven and Hell (1980) y en la que Bill Ward abandonó la banda. En 1983 Ian Gillan llegó procedente de Deep Purple para reemplazar a Dio, y Bill retomó su lugar en la batería. En esta etapa el grupo publicó Born Again (1983), y aunque resultó ser todo un éxito, Ian volvió a su antigua banda en 1984. 

A partir de ese momento los cambios en la formación de Black Sabbath se sucedieron sin encontrar el adecuado, y sólo en torno a 1988 pudieron volver a disfrutar de cierta estabilidad de la mano del vocalista Tony Martin, ex The Alliance, lanzando al mercado el aclamado Headless Cross (1989). En 1999 los miembros originales decidieron volver a reunirse y de esa manera publicaron varios recopilatorios.  No obstante, 2008 será testigo del nuevo trabajo de estudio de Tony, Geezer, Bill y Ozzy, el primero de esta legendaria formación en 30 años.

Black Sabbath  

Paranoid  

War Pigs  

Franz Ferdinand, o lo que es igual, Alex Kapranos (vocalista y guitarra), Bob Hardy (bajo), Nick McCarthy (guitarra rítmica y teclados) y Paul Thomson (percusión), arrancaron su andadura musical en Glasgow, Escocia, lugar donde Alex y Bob comenzaron a tocar juntos en 2001. Más tarde se unieron a ellos Nick y Paul, y el cuarteto tomó como escenario particular un almacén abandonado en las afueras de la ciudad al que bautizaron “The Château” (el castillo).

En cuanto al nombre escogido, la banda tomó el del archiduque de Austria Francisco Fernando (Franz Ferdinand), debido a la repercusión que tuvo su muerte en 1914 sobre la historia: fue la causa desencadenante de la I Guerra Mundial.

 Audio & Vídeo →

El grupo grabó con sus propios medios un disco de escasa duración con el que pretendían darse a conocer, y al parecer les funcionó, porque Domino Records les ofreció a finales de 2003 un contrato para grabar otro disco de similares características; Darts of Pleasure.

Su ascenso no se detuvo, y un año más tarde firmaron contrato con dos grandes: Sony Music Japan y Epic Records. De este modo vio la luz su álbum debut, Franz Ferdinand (2004), trabajo que revolucionó el panorama del rock con su mezcla de tintes indie, pop y punk. Debutó en el tercer puesto de la lista de ventas del Reino Unido y recibió críticas muy favorables desde los medios. Su primer disco deja para el recuerdo temas como Take Me Out o The Dark of Matinée.

En 2005 salió al mercado su segundo trabajo de estudio, y el último hasta la fecha, You could have it so much better. Al igual que su antecesor tuvo una gran acogida, y superó la entrada de este en la lista de ventas británica, alcanzando el primer puesto. El disco abandona en mayor medida la variedad de Franz Ferdinand y se decanta más por el indie. No podemos olvidar mencionar grandes canciones como Do you want to, The Fallen y Walk away.

Take Me Out

The Dark of Matinée 

Do You Want to